Festival d’art érotique de Montréal 2011
Exposition Principale
ARTISTES INVITÉS – ARTS PLASTIQUES |
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| JOSEPH ANDRÉ PIERRE-ANDRÉ ARCAND ARGAIVE KEVIN BEAULIEU ALAIN BÉLANGER KHOSRO BERAHMANDI BLANCHE’S CLAUDE BOLDUC MARCEL BOUDREAULT LUMA BRIEUC LULU CABARETTA CESAR CORTEZ DANIELLE DEMERS MÉLINA DOYON MELANY FAY |
JEAN-SÉBASTIEN FORTIN VIAD GANSOWSKY SÉBASTIEN GAUDETTE MARIANNE GIRARD ÉLÉONORE GOLDBERG YVES GONTHIER HASSAN RADU JUSTER TOMMY KALICHACK KAO- PATRICYA ANCTIL ANOUK LACASSE MAT MATTHIEU LAPOINTE PATRICK LARRIVÉE JESSICA LAUZON MARIE-ANDRÉE LEBLOND |
PAUL-TEX LECOR GISÈLE L’ÉPICIER ASHE LÉVESQUE LIPSTIK LUCIEN LISABELLE L’OR MARGOTELLA JULIE MERCURE PAYAM MONTAZAMI TONY MORIELLO REECE NEWTON OURAM SAINTE-SOPHIE LAURENCE PETITCLERC CCANA PONCE |
THIERRY QUENETTE VANESSA ROBERGE JULIE ROBINSON ROUSTAN NADINE SAMUEL JEFFERY L. SPICER JOCELYNE SYLVAIN PIERRETTE THÉRIEAULT TONE JULIE TURCONI JACQUELINE VANASSE VID VICIOUS WILLY JIM YOUNG |
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ARTISTES INVITÉS – COMPOSITEUR – INTERPRÊTE |
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| KIM BOURGEOIS | FREDERIC MARLEAU | BEN SASSEVILLE | REM-X | |
| MELITZA CHAREST | NIKA | JULIE TURCONI | KARIN MEDFAI | |
Joseph André
 La trans 2, 2006 Huile sur toile 15″ x 30″ 1200$
En 1978, il est entré à l’Académie des beaux-arts, où il a fait un court passage. Deux ans, plus tard après ses études classiques, il a monté avec des amis son premier atelier. Tout au cours de cette période, l’art a dominé sa vie. Il n’a jamais laissé tomber son violon d’Ingres. En 1983, il a recommencé à peindre régulièrement en même temps qu’il enseignait les langues et les littératures. Autodidacte, il n’a pas hésité à découvrir d’autres styles et a pris la peine de connaître les grands peintres de tous les temps. Après ces expériences, il s’est mis à travailler assidûment le dessin, le portrait, l’anatomie, et la technique du crayon de cire, tout en se laissant influencer par la peinture européenne. Son style est en constante évolution. De 2001 à 2006, il a enseigné le dessin et la peinture au Centre Nouvel Horizon du Québec. Depuis 2006, il faisait partie des membres d’administration du Conseil de développement culturel de Villeray-Saint-Michel-Parc-Extension. De plus, je suis président de Espace d’Expressions et de Création, membre de Diversité Artistique de Montréal et du Conseil des arts du Québec. À son arrivée au Canada en 1988, il a continué à travailler chez lui. Il mélange continuellement écriture et couleurs. Ensuite, il a fait un mineur en histoire de l’art. Pour lui, l’art ne connaît pas de frontière. André Joseph a réalisé nombreuses expositions individuelles et de nombreuses expositions en groupe en tant qu’artiste et commissaire un peu partout au Québec, au Nouveau-Brunswick ainsi qu’aux États-Unis.
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Démarche La passion du dessin et le désir de création surprend Joseph André dès l’adolescence. Dès lors, ses crayons de couleurs et ses carnets ne le quittent plus. Son environnement immédiat devient son terrain de chasse, où il capte sur papier, les formes et les objets qui l’entourent. Son coup de crayon acquiert plus d’assurance avec le temps. Le désir et le besoin de s’exprimer à travers l’art le mènera à approfondir ses connaissances. En effet, Joseph André prend alors conscience qu’en même temps que chaque artiste, de par sa personnalité, est unique, il est aussi le produit de son milieu. De ce fait, une œuvre n’est pas que le fruit de l’imagination d’un artiste, mais aussi une expression des influences de son environnement. La production artistique de Joseph André acquiert dès lors une identité propre, unique et indépendante, de l’artiste et de son milieu. Elle vise un dépassement autant au plan personnel qu’au plan collectif. Artistiquement, cette réalisation se traduit par un départ du dessin à la peinture à l’huile. La peinture permet à Joseph André de concrétiser ses dessins, esquisses et ses questionnements. De 1987 à 1994, l’œuvre de Joseph André se caractérise par la transmission d’un discours sociopolitique qualifié d’ironique, de dérangeant, provocant et agressif. De façon parallèle, poursuivant ses études et ses expérimentations artistiques, Joseph André explore les grandes tendances artistiques contemporaines, l’abstrait, les raphaëlites, les modernistes, sans oublier la peinture surréaliste, en dépit de la peinture figurative qu’il travaille. Ses œuvres connaissent alors des thématiques plus diversifiées : paysages, scènes politiques, portraits, scène de genre et de vie. Ses sources d’inspiration deviennent plus élargies, des composantes émotionnelles et intellectuelles s’entremêlent. De 1990 à aujourd’hui, l’emphase est alors posée sur l’être humain, mis en lumière par la technique de la transparence. Ses œuvres, au lieu d’interpeller l’observateur par ses questionnements politiques, danse avec lui et noue une relation émotionnelle sur un fond de jazz. Sa création permet toujours un débat avec l’observateur, mais à partir de plate forme diverse, autant au plan esthétique qu’au plan de la pertinence de l’œuvre. Toujours dans la recherche et le développement de son œuvre, Joseph André espère ainsi, avec son travail, pouvoir contribuer de façon intéressante et significative, à la progression de l’art et à son enrichissement. |
Pierre-André Arcand
| Pierre-André Arcand vit à Montréal et à Saint-Roch de Richelieu (Québec).
Artiste multidisciplinaire et poète, Pierre-André Arcand a poussé des racines en écriture, en poésie visuelle et sonore surtout. Il a pratiqué l’ installation, fait des livres-objets et de manière soutenue des performances de traitement sonore et vidéographique en temps réel. Il est aujourd’hui davantage présent dans les domaines des musiques expérimentales, de la vidéo, de la peinture virtuelle et dans les sphères de l’exploration artistique qui intègrent les technologies contemporaines. Il s’est produit dans plusieurs pays, a publié entre autres dans les revues Inter, Doc(k)s, Baobab, Rampike, Estuaire. 7 disques compacts solo sur étiquette OBZ, OHM, Generator et Ambiances Magnétiques Collaboration à de nombreuses compilations et anthologies. Pierre-André Arcand Lives in Montreal and St-Roch de Richelieu (Quebec). Poet and multidisciplinary artist, Pierre-André Arcand was active in the spheres of performance, poetry, experimental music, audio video art and in domains of the artistic exploration which integrate the contemporary technologies. His activities include writing, visual poetry, sound poetry, performance, installation, objects, books. At the end of the years ‘ 90, became Transfuge in electronic and media arts. C D’s and DVD’s. Real-time audio and video treatment. Sounds-actions-and projections. Acoustic, electronic and digital art in performance, equipped with the Macchina Ricordi,the resonant book and ashtray, his voice and the multiple personae he incarnates. Since 2007, he mainly devotes himself to digital painting. Published in Inter, Doc(k)s Baobab, Rampike, Estuaire, magazines; 7 compact disks solo on OBZ, OHM , Generator and Ambiances Magnétiques labels.
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 Playman, 2010 Giclee sur toile 26″ x 33″ 650$ Démarche Mes explorations vidéographiques privilégiaient la vidéo abstraite et la vidéo peinture, et c’est l’apprentissage du traitement de l’image animée ou fixe qui me conduit en 2007 à explorer la qualité picturale des pixels à travers la peinture numérique. J’ai développé depuis un corpus de plus d’une centaine d’oeuvres : peintures, photopeintures et dessins numériques réalisés sur écran tactile d’ordinateur avec un stylet qui devient au besoin crayon, pinceau, spatule, buse. De cet ensemble, une cinquantaine ont pour sujet l’érotisme et la sexualité. L’impression sur toile se fait par giclée de pigments de couleur suivie de l’application à la main d’un vernis acrylique. |
Argaive
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“Argaive pratique la photographie depuis le début de l’adolescence et, étant toujours à la recherche de nouveaux thèmes, se tourna vers la photographie nu, érotique et fétichiste il y a de cela six ou sept ans. Argaive produit des images qui sont pour la plupart simples et frappantes. Cela dit, de temps à autre il aime à inclure des détails subtils qui fera prendre au spectateur un deuxième regard plus attentif. Il préfère les couleurs vives et les contrastes accentués, et il aime particulièrement travailler avec des éclairages créatifs.” “Argaive has been pursuing photography since early teen-age and, being always in search of new themes, turned to nude, erotic and fetish photography six or seven years ago. Argaive for the most part produces simple and striking images. That said, from time to time he likes to include subtle details that will cause the viewer to take a second, closer look. He prefers punchy colours and strong contrasts, and he particularly enjoys working with creative lighting.”
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Démarche On m’a demandé plus qu’une fois si mon but était de provoquer, voir même choquer les gens. Pas du tout. Je pense en images, et si je crois qu’une idée quelconque créera des images vraiment «cool», alors je l’applique. Toutefois mes images ne laissent personne indifférent. Je ne me limite pas à un style ou un genre particulier. J’aime expérimenter avec de nouvelles idées et techniques et j’évite tant que possible de répéter un concept. Il me fais plaisir d’utiliser un style préalable pour un client privé quand on m’en fait la demande, mais je trouve inutile d’ajouter que du pareille au même à mon portfolio. C’est justement pour devlopper quelque chose de nouveau (nouveau pour moi, bien sûr) que j’a pris un virage vers la photographie de charme, de nu, érotique et fétichiste il y a maintenant quelques années. Cela étant dit, je ne m’empêche pas de reprendre un concept si je crois pouvoir y ajouter du nouveau. Je tiens à produire des images simples et frappantes, et j’aime ajouter de temps à autre des détails subtils qui peuvent provoquer un deuxième regard plus attentif. Pour la plupart, je travaille avec des couleurs vives et des contrastes accentués, et j’aime particulièrement travailler avec des éclairages créatifs. Certaines de mes images semblent être saisies lors d’une histoire en cours. Parfois c’est voulu, et parfois ce ne l’est pas. Dans tous les cas, quand un spectateur en voit au-delà de mes intentions dans une de mes images, je crois bien avoir accompli mon but. Artistic statement I don’t limit myself to one particular style or genre. I enjoy experimenting with new ideas and techniques and try to avoid repeating myself. I’m happy to oblige when a private client wants a look I’ve done before, but I see no point in adding just more of the same to my portfolio. In fact, I initially turned to boudoir, nude, erotic and fetish photography a few years ago in order to develop something new and different (to me, that is). I want to produce simple and striking images, and from time to time I like to include subtle details that will cause the viewer to take a second, closer look. For the most part I work with punchy colours and strong contrasts, and I particularly enjoy working with creative lighting. Some of my images seem to be a snapshot from a larger story. This is sometimes intentional, sometimes not. In any case, when a viewer sees more in one of my images than I myself intended, then I feel I’ve accomplished what I set out to do. |
Kevin Beaulieu
 Il n’y a pas que les gorilles qui aiment les bananes, 2011 Techniques mixtes sur toile 24″ x 24″ 250$
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Démarche Dans mon travail, je tends vers des propositions aux techniques et aux mediums variés. À travers la peinture, la sculpture, la photo et la vidéo, je produis essentiellement une création qui questionne la représentation du corps d’une manière expressive et brutale. Par l’ambigüité ou la provocation, je veux déstabiliser le regard du spectateur face aux stéréotypes prédisposés de la chaire humaine et de ses innombrables limites. Couramment, j’utilise des matières pauvres ou organiques comme de la viande, de la bière, des cheveux ou certains fluides du corps humain, afin de montrer les êtres humains comme des êtres finis et rebuts. Mon esthétique, parfois stridente, parfois plus sensuelle, confronte l’envie et le dégoût envers l’humain. Les positions ouvertement dégradantes, que je donne à mes protagonistes, cherchent à rappeler la puissance des affects qu’ont nos sentiments élémentaires à notre égard. Par leurs actions ou leurs apparences, j’essais de faire ressortir l’intérieur bestial des êtres humains sur leur enveloppe charnelle. Leur corps devient support de leurs sentiments de violence et d’angoisse. Les oppositions sont une des bases de mon travail ; je joue avec le chaos et la symétrie de l’image, j’observe la collision entre la haute et la basse culture, entre l’attirance et la nausée sexuelle, entre la sensibilité et la crasse de l’âme. Le comportement de certaines personnes devant mes œuvres m’interrogent beaucoup. Mon art est une recherche sur la morale. Je recherche les limites de la représentation acceptable aux profits de l’inacceptable. Trop souvent dans l’art les gens voient bien ce qu’ils veulent. Moi, je leur montre ce qu’ils ne veulent pas voir, ce qu’ils préfèrent ignorer. Les gens sont anxieux devant ce qu’ils ne comprennent pas, mais, heureusement, ils y sont aussi fort bien attirés. D’après moi, l’art peut provoquer des discutions, des émotions et des sensations que la société semble parfois vouloir cacher ou sublimer. En confrontant sans cesse nos dogmes, j’essais de suscité le débat, ou, du moins, la discussion, afin de remettre en question nos convictions acquises. Souvent, mes œuvres son inspirées d’histoires vraies qui me semblent absurdes et inhumaines. J’essaie à travers mes essais de comprendre le “Ben voyons donc?” que suscite parfois l’inexplicable humain. |
Alain Bélanger
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Introduction d’un article de France écrit sur Alain Bélanger : “L’imaginaire d’un homme, la beauté d’un mobilier Des meubles surréalistes, étonnants, pour grands enfants ou pour amateurs d’art : Tant de qualificatifs qui chacun dépeignent le travail d’Alain Bélanger sans jamais en définir les règles. Artisan ou designer, il est avant tout un artiste dont le moteur est l’imaginaire et qui métamorphose notre mobilier en œuvre d’art.” Yannick François, France The imagination of a man, the beauty of his furniture Surrealist, astonishing — for big children or for lovers of art: many terms describe Alain Belanger’s work without ever defining its rules. Whether a craftsman or a designer, he is above all an artist, driven by his imagination, who transforms furniture into works of art. Annonce dans Studio magazine : Alain Belanger creates exclusive, sensual art furniture that defies the norm. Using the precise technical skills from his training in mechanical engineering, He balances high design with practical utility to produce furniture that is a pleasure to experience. He welcomes custom orders to satisfy his clients’ needs. Alain recently won an OCC Established Professional Award and has been recognized as a 2011 Niche Award finalist. Commentaire de Patricia Gelina gallery: “Alain Belanger is an artist who creates exquisite, contemporary art furniture. His technical expertise allows him the freedom to respond to customer’s specific needs and desires, creating functional, one of a kind and limited series furniture pieces that become conversation pieces and heirlooms to be treasured. He is dedicated to detail and is always striving to learn and improve his beautiful work. I highly recommend Alain Belanger to even the most discerning collector.” |
Démarche Depuis plus de dix ans, je conçois et fabrique du mobilier d’art contemporain aux formes courbes qui défie les normes et standards établis. Véritables personnages induits de mouvements, mes pièces associent à la fois précision et de fluidité. C’est en combinant mes aptitudes artistiques à mes connaissances d’ingénieur en mécanique que je parviens à cet équilibre. En fait, j’aime d’abord me laisser surprendre par la vision d’un mouvement qui m’habite quelques instants. Par la suite, je le dessine et l’étudie avant de le concrétiser en lui appliquant formes et couleurs. Toujours romantique et soucieux des détails, mon grand plaisir est de produire sur commande des pièces uniques ou de série limitée pouvant être qualifiées d’art fonctionnel.
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Khosro Berahmandi
 Fleurs de mai 5, 2009 Thechniques mixtes sur carton 17 x 25cm 250 $ |
 Fleurs de mai 4, 2009 Thechniques mixtes sur carton 17 x 25cm 250 $ |
 Fleurs de mai 2, 2009 Thechniques mixtes sur carton 17 x 25cm 250 $ |
Ma démarche artistique est basée sur mon regard profondément poétique qui cherche à manifester ma connaissance intuitive du sacré à travers mon propre langage visuel. De cette manière, mes savoirs techniques et culturels soit de la part de ma culture d’origine ou bien de celle d’ici m’ont servi à créer un style singulier et personnel qui se distingue par son originalité d’expression visuelle.
Ma pratique artistique évolue à partir d’une quête personnelle vers une compréhension de soi dans un contexte plutôt cosmique. De me voir suspendu dans un globe déjà en suspension dans l’air infini m’offre un regard vaste et inclusif à travers lequel j’ai accru mes éléments esthétiques.
Blanche’s
| Le corps comme support de soi étudié par l’œil divers des médiums nous amènent à réfléchir l’esthétique des messagers par lesquels l’érotisme s’exprime. Art classique, performance, esthétisme relationnel, chaque forme révèle un angle de traitement du sujet et s’expose donc lui-même à l’observation. Ultimement, les Blanche’s sont ces manifestations analysant des manifestations traitant du sujet, le corps et ses environnement, manifestant Éros!
Dans le cadre du FAEM, les photos retenues traites autant de l’érotisme que du travail fait en chambre noir, angle, inversion, jeu des chimies, impression des négatifs, autant de façons d’aborder le sujet par des sujets. Les Blanche’s sont instigateur de l’événement collectif pluridisciplinaire Érotiquer à Trois-Rivières (2006, 2008) et sont en préparation du prochain événement ÉrotiquerIII A.V. Thanatos qui aura lieu en Mai 2012, toujours à Trois-Rivières.
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 Under see 5, 2008 Photo techniques mixtes 16″ x 20″ 40$/ 100$enc
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 Not yet 2 Photo techniques mixtes 16″ x 20″ 40$/ 100$enc |
 Manifaction 3, 2008 Photo techniques mixtes 16″ x 20″ 40$/ 100$enc |
Claude Bolduc
| Le peintre Claude Bolduc est inclassable. Il est né à Alma (Lac-St-Jean) en 1955 et a débuté comme peintre autodidacte en 1987, dans un état d’esprit proche de l’art brut. En 1997, il a émigré en Suisse pour y poursuivre sa carrière artistique. C’est à contre-courant de l’abstraction qu’il se posera désormais, en témoin caustique de son temps. Claude Bolduc a exposé à Montréal, Toronto, Miami, New-York, Paris, Londres, Berlin, Genève, Florence… Il est revenu vivre au Québec en mars 2010 et habite depuis à St-Eustache, dans les Basses-Laurentides. Il expose de façon permanente à la Galerie USINE 106U à Montréal.
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Claude Bolduc est né le 1er janvier 1955 à Alma, au Québec (Canada). C’est le 4 janvier 1987, date de naissance du peintre primitif Arthur Villeneuve son premier inspirateur que Claude Bolduc commence à peindre en autodidacte. L’artiste met alors en scène ses propres souvenirs et des sujets politiques ou sociaux, dans un style que l’on pourrait qualifier de naïf, si l’on n’y décelait la folie onirique de son univers où abondent déjà les références à une symbolique qui lui est propre.
Vers 1992, la peinture de Claude Bolduc entre dans une nouvelle phase. Le peintre s’engage au-delà de l’anecdote et pousse plus en avant son exploration de l’invisible. Il puise d’avantage aux sources de ses propres pulsions et donne du monde qui l’entoure, une vision sublimée par la ré-interprétation très personnelle qu’il fait de son environnement. Il cherche à délimiter clairement les univers parallèles du conscient et de l’inconscient. Pour y parvenir, il oppose un ton monochrome où fourmillent des êtres étranges évoluant dans des rêveries sensuelles débridées, à une palette aux couleurs plus vives illustrant un propos mieux défini. En 1997, l’installation à Genève (Suisse) de Claude Bolduc le mène dans une recherche approfondie et non censurée de sa symbolique particulière. Dans un état d’esprit proche de Jérôme Bosch, sa réflexion s’étend maintenant aux grandes questions existentielles. Il explore, à travers les thèmes éthiques contemporains les plus ambigus, les avenues sombres ouvertes par la progression exponentielle des récentes découvertes scientifiques (pollution, essoufflement des ressources, menace nucléaire, tentatives de contrôle absolu sur la vie et les maladies…). Pour Claude Bolduc, le bilan du règne annoncé de l’Homme-Dieu est inquiétant. C’est pourquoi ses tableaux confrontent sans retenue Eros à Thanatos. Le peintre les oblige à une danse-lutte dans laquelle la symbolique judéo-chrétienne est revue à travers le prisme des visions singulières et exacerbées de l’artiste. Depuis mars 2010, le peintre est rentré au Québec. Ses sources d’inspiration restent multiples mais une Muse toute personnelle le mène désormais dans les tréfonds de la Féminitude. Conséquence directe de ces voyages en lui-même et à travers l’Autre, la symbolique originale de l’artiste s’impose de plus en plus dans son œuvre de maturité. Le peintre Claude Bolduc est inclassable. C’est à contre-courant de l’abstraction qu’il se pose en témoin caustique de son temps. Il adhère à la folie pure de l’art brut mais ne renie pas pour autant les influences académiques, puisées au hasard de précieuses trouvailles dont il fait une relecture toute personnelle. Claude Bolduc reste fidèle au credo de ses premières œuvres : Peindre parce que c’est impératif… Claude Bolduc a exposé à Montréal, Toronto, Miami, New-York, Paris, Londres, Berlin, Genève, Florence… |
Marcel Boudreault
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Démarche
Le nu féminin Dans ce monde très érotisé, j’ai osé vouloir apporter par mes œuvres de la fraîcheur et de la beauté en en utilisant l’image de la femme et de son sexe comme deux éléments importants de mon vocabulaire pictural. Mon approche, démontre que la vulve est très riche stylistiquement et peut devenir un magnifique écrin pour présenter le corps féminin, nu, dans sa splendeur et sa diversité Je crois que dans ce contexte, entièrement féminin, je parviens à rendre la magnificence de la femme dans sa morphologie et son expression corporelle et que j’apporte une vision saine de l’érotisme et que je contribue à revaloriser le corps et la sexualité. Pour moi, ma démarche sur ce thème demeure, ouvert, vivifiant et prometteur de nombreuses découvertes. |
Luma Brieuc
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Luma R. Brieuc est une artiste autodidacte multidisciplinaire qui se spécialise dans l’art corporel au henné et la photographie depuis l’an 2000. L’art au henné est devenu une passion pour l’artiste après être tombée par hasard sur un livre de motifs traditionnels au henné, alors qu’elle se trouvait dans une librairie. Depuis, des heures innombrables d’expérimentation, de pratique et de recherche sur l’histoire et la tradition de cette ancienne forme de décoration corporelle lui ont permis de développer son style original et de sortir cet art des sentiers battus.
Son talent pour la photographie s’est manifesté à peu près au même moment où elle découvrait le henné. Après qu’un ami lui ait prêté un appareil photo, elle a commencé à développer ses capacités innés pour ce médium et de photographier ses oeuvres au henné. Il n’en fallait pas plus pour que cette artiste s’aventure à vouloir créer sa première exposition de portraits au henné intitulée À FLEUR DE PEAU. À FLEUR DE PEAU est la première exposition photographique d’art corporel au henné de son genre. Son objectif est de célébrer l’art au henné en mettant en valeur la beauté, la complexité et la diversité des motifs, et de donner l’occasion au grand public de découvrir cette très belle forme d’art éphémère encore si peu connue, malgré le fait qu’elle soit utilisée comme décoration corporelle depuis 8000 ans à travers l’Europe, l’Afrique, le Moyen-Orient et l’Asie. Tous les motifs au henné sont dessinés à main levée et pour la réalisation de chaque portrait photographique, il faut en moyenne 70 heures de travail par l’artiste, incluant la conception et la création du motif, la séance de photo et l’édition. Un des thèmes sous-jacents de la démarche artistique de l’artiste est comment des opposés – tel qu’un art ancien mis dans un contexte moderne, des motifs féminins sur des corps masculins, l’art éphémère rendu perpétuel par un art permanent – peuvent être mis ensemble pour former une image harmonieuse malgré la qualité parfois très contrastée de chaque polarité. Luma R. Brieuc est la fondatrice de Lumanessence. Elle fournit un service professionnel d’art corporel au henné pour tous genre d’événements spéciaux ainsi que des rendez-vous privés, des ateliers et des produits de henné . Elle offre également service de photo de nu artistique. |
Lulu Carabetta
 Born Again Virgin, 2010 Huile sur toile, 48″ x 36″ 9000$ |
Lulu Cabaretta, born and raised in Montreal, she studied fine Arts at Dawson college and Concordia University. She Started her career in painting, focusing mostly on oil and canvas, more recently she has been working with airbrush body painting and tattooing as well.
Artist statement |
Cesar Cortez
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Photographe montréalais, d’origine salvadorienne, César Cortez développe son talent depuis plus de 10 ans. Diplômé de l’Institut de photographie du Collège Dawson en 2009, il maîtrise diverses techniques qui le rendent des plus polyvalent. Passionné par les portraits et le nu artistique, il nous présente sa série Paysages.
À travers cette série de photographies, il souhaite rendre hommage à la beauté du corps féminin. Par un jeu subtil d’ombres et de lumières, il souligne la perfection de courbes dans une atmosphère de sensualité. |
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Danielle Demers
 Curves, 2011 Photo sur papier 11″ x 14″ 350$ |
 Peekaboo, 2010 Photo sur papier 11″ x 14″ 1200$ pour l’ensemble complet de 4 pieces 350$ch |
 Netted, 2011 Photo sur papier 11″ x 14″ 450$ |
Danielle Demers et Tommy Kalichack
 Ignition, 2010 Pyrotechnie et photo sur papier 14″ x 11″ 350$ |
 Ascension, 2010 Pyrotechnie et photo sur papier 14″ x 11″ 350$ |
Mélina Doyon
Mélina Doyon possède un diplôme pré-universitaire en arts plastiques et termine présentement un DEC en Illustration & Design au collège Dawson. Depuis très longtemps le dessin, la peinture et une multitudes de techniques artistiques la passionnent. |
 Soul mate 2010 encre, vin, et stylo sur papier 20X24 cm 50$ |
Melany Fay
 Right and true, 2011 Mediums mixtes sur bois 12×12 250$
Court texte I Love to create objects of desire where the essence, the true meaning is hidden in the details. Precious and living, my art pieces are made from the elements, true or symbolised. Working with water, wood, gold and blood. I express in images, the human beauty, its subtleties, restrained desires, vulnerabilities and Love.
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Artist Statement I am interested in the past as a mean to construct the future. I paint on different surfaces, canvas, wood and others, using different mediums, such as acrylic paint, gold, papers, fabrics and my own blood (as a symbol of life). I want to create precious but living pieces: objects of desire. I express human beauty, its subtleties, its restrained desires, vulnerabilitie and love. Complex pieces in which a multitude of small squares, textures and materials reinforce the initial symbolism and bring back the attention to the essential: know how to look beyond appearances. From these compositions will spawn a story, an emotion, a feeling… a snapshot of myself. It’s only in the wholesomeness of my work that we can recognize and feel my process in its complexity. I claim the right to be many: I am movement, always renewing myself. Inconstant Fickle-minded by nature, I like change and with the courage of my imperfections I try to create a link with the public, to share my sensitivity, my vulnerabilitie and my openness. In a Confusion between the subjective and objective universes and beyond the point of view, lie something invisible, magical and attractive remains. I question relationship we have with intimacy and its importance in our lives. Démarche Artistique J’exprime la beauté humaine, ses subtilités, ses désirs refoulés, la vulnérabilité(s?) et l’amour. Œuvres complexes dans lesquelles une multitude de petits carrés, de textures et de matériaux renforcissent le symbolisme initial et ramènent l’attention à l’essentiel : apprendre à regarder au-delà des apparences. De ces compositions naissent une histoire, une émotion, un sentiment… un morceau de moi pris sur le vif. Ce n’est que dans la totalité de mon œuvre que l’on peut me reconnaître et ressentir ma démarche dans sa complexité. Je revendique le droit d’être multiple, je suis mouvement, sans cesse en renouvellement. De nature inconstante, j’aime le changement et avec le courage de mes imperfections je tente de créer une connexion avec le public, de partager ma sensibilité, ma vulnérabilité et mon ouverture. Dans une Confusion entre les univers subjectifs et objectifs et au-delà du point de vue, il reste quelque chose d’invisible, de magique et d’attirant. Je pose un questionnement sur le rapport que l’on entretient avec l’intimité et son importance dans nos vies.
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Jean-Sébastien Fortin
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Démarche À l’origine de ma pratique de création artistique en sculpture, une question fondamentale : la mort! Qu’est-ce que la mort? Pourquoi la mort? Pourquoi la mort au cœur de la vie? Pourquoi l’homme naît-il avec pour seule certitude, à sa naissance, celle de sa mort inéluctable? Cela définit, pour moi, l’essence même de la finitude humaine, qui constitue le thème de ma démarche, de mon exposition. Cette question fondamentale qui m’habite et qui m’anime, comme personne humaine autant qu’à titre d’artiste-sculpteur, fait partie d’un questionnement existentiel plus général : “Qui suis-je? D’où viens-je? et Où vais-je?”, un questionnement reprit par un grand nombre d’artistes au fil du temps. Paul Gauguin (1848-1903), peintre du XIXe siècle, a traduit sa préoccupation personnelle à cet égard dans un tableau allégorique de grand format réalisé en 1897, ayant pour titre: “D’où venons-nous? Qui sommes-nous? Où allons-nous?” (Gauguin, 1988: 3, 6) Personne n’échappe à ce questionnement existentiel fondamental, que certains penseurs nomment inquiétude existentielle, d’autres, angoisse existentielle. Face à cette réalité indubitable, incontournable, l’homme, à travers les siècles, s’est investi dans une quête sans fin, celle de trouver un sens à sa mort pour donner un sens à sa vie. Mythologie, religion, philosophie et superstition, musique, littérature et poésie et, finalement, les arts plastiques de toutes catégories sont autant de pistes et de moyens que l’homme a privilégiés selon les époques et les événements et ce, quelque soit le lieu, pour poursuivre cette quête sans fin de sens à sa mort comme à sa vie. C’est par le moyen de l’art que je tente de donner non pas un sens, mais un visage à la mort afin de représenter, d’une façon métaphorique, son interaction avec nos propres vies. La mort, comme la multitude d’individus qui peuple cette terre, peut prendre plusieurs visages. Tantôt tragique, attendue ou tout simplement inévitable, elle nous accompagne tout au long de notre vie et nous sommes appeler à la côtoyer à divers moments de notre existence. Ce sont ces rencontres, ces soupirs, ces pleurs, ces questionnements, ces confrontations que je tente d’évoquer dans mes œuvres. Par un détour par l’histoire et la mythologie classique, grecque, romaine et chrétienne, j’ancre mes représentations dans l’imaginaire des siècles passés. Le passé… ce qui est déjà mort, mais dont on se souvient encore et qui nous inspire à regarder vers l’avant. J’utilise le bronze et l’acier dans un statuaire à l’échelle humaine afin de marquer d’une façon permanente mes réflexions sur notre propre finitude. Parler de notre fin dans un matériau “immortel” est une dichotomie qui ne cesse de m’apporter matière à réflexion, introspection et création. Les évocations du corps humain façonné dans ces matières d’une grande force deviennent un prétexte incontournable de réflexions sur la durée du passage terrestre : c’est l’occasion de montrer la face caché des choses devant un propos peu abordé qu’est la mort. Séduction : La succube, Le suicide : les sirènes… Le masque sont quelques visages mythiques présentés. Par un besoin de communication afin de permettre aux spectateurs de saisir l’étendue de l’expérience de création contenue dans chaque œuvre, un texte de présentation l’accompagne. Libre à eux de la lire ou pas. L’essentiel, c’est de provoquer une réflexion, des échanges, des réactions. Un volet didactique peut aussi s’intégrer à l’exposition afin d’expliquer le processus de réalisation de pièces en bronze coulé et en acier permettant ainsi au gens de toucher à des exemples d’éléments sculpturales d’acier et de bronze. |
Sébastien Gaudette
 La prostitution dans toute son art, 2011 Acrylique sur toile 48″ x 72″ 2650$ |
Travaillant depuis 10 ans dans les arts, je suis un artiste en art visuel qui a suivi plusieurs cours d’arts en milieux spécialisés. J’explore et développe toujours mes techniques de création en intégrant plusieurs médiums mixtes. |
| Démarche Artiste peintre autodidacte, je me suis fait une spécialité de l’intégration de plusieurs techniques des arts visuels dans mes œuvres. Je travaille principalement la peinture acrylique, mais j’y intègre plusieurs médiums comme le bâton à l’huile, la cannette d’aérosol, la sérigraphie et le tissu. Mon travail d’art figuratif-théâtrale, présente des personnages qui prennent le rôle d’acteur dans mes œuvres. Mon art traite des problèmes sociaux que nous rencontrons aujourd’hui. Ce sont des messages et des prises de consciences que je raconte. J’aime faire voyager |
chaotiques… afin de démontrer le rêve et la réalité de deux mondes parallèles qui se chevauchent. Mes œuvres s’inspirent beaucoup des textes que j’écris. En somme, mes œuvres sont, pour la plupart, autobiographiques. J’explore constamment la déconstruction de l’objet et la combinaison de matières et de textures, ce qui se reflète dans mon travail. La recherche et la création sont primordiales pour moi. J’y passe beaucoup de temps afin de pousser toujours plus loin mon exploration. C’est un bonheur et une passion de pouvoir exprimer mes opinions pour peut-être, un jour, laisser ma marque dans l’histoire de l’art du Québec en tant que écrivain-poète visuel. |
Marianne Girard
 Jenny Acrylique sur toile 40X30 775$ |
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Éléonore Goldberg
| Démarche Éléonore Goldberg pour « Bouche » L’intimité, la sensualité et l’érotisme sont les thèmes principaux autour desquels mon travail évolue. Avec la technique de l’encre de chine, appliquée sur le papier grâce à l’aide d’un pinceau, je cherche à donner vie à des instants et des émotions sensuels et érotiques vécus universellement. Le pinceau et l’encre me permettent une grande fluidité et sensibilité dans le geste et la touche. « Bouche » s’inscrit dans cette démarche de présenter au public ma vision personnelle d’un instant érotique et sensuel. Le baiser est le commencement d’un moment érotique, il détermine ce qu’il va se passer ensuite… Et il clôt cet instant. |
 Bouche, 2010 Encre sur papier 27 x 21 cm 100$ |
Yves Gonthier
Atomes de l,existence, 2010
Art numérique sur toile
14″ x 22″
450$
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Démarche
On dit d’Yves Gonthier qu’il est un alchimiste de la couleur. Avec ses créations il occupe plusieurs territoires : la figure humaine, la nature, l’abstraction. Cette mosaïque de sujets, de styles, de médiums, additionnée de recherches, de trouvailles, de reprises de thèmes compose l’édifice de son art. Il a réalisé des œuvres de très grands formats, que ce soit pour des projets personnels, des commandes privées ou publiques. Une constante de ma démarche est cet esprit de recherche en arts visuels sur le thème de la transformation. L’arrivée du numérique représente pour lui une belle ouverture vers d’autres possibilités de création Pour son apport remarquable à la vie artistique au Québec, Yves Gonthier fut le premier artiste en Gaspésie à recevoir, en 2003, le prestigieux Prix de la Création artistique du Conseil des arts et des lettres du Québec. Une de ses œuvres les plus connues est certainement la célèbre sculpture monumentale Le Cadre naturel (21 x 34 pieds ou 7 x 11 mètres) installée en permanence depuis 1995 sur la plage à Maria, dans la Baie-des-Chaleurs. Sous la plume de Rose Sourie, on pouvait lire dans Vie des Arts en 2007 : ”Yves Gonthier trace des lignes qui le conduisent là où ses désirs l’emportent. Véritable modèle de détermination, Yves Gonthier illustre, à travers ses réalisations, le chemin à prendre pour accomplir nos rêves, pour épancher nos curiosités et pour graver les rencontres qui nous permettent d’exprimer nos parcours de vie ou de nous conduire vers nos desseins. En 2009 et 2010, ses œuvres ont été vues à Toronto, Tokyo, Venise et Ponte Nossa (Italie). Les trois œuvres présentées au Festival d’art érotiques de Montréal sont des créations infographiques. Celle intitulée Les atomes de l’existence a été exposée à Venise. Les deux autres, Vénus web et Lune sont des créations récentes montrées pour la première fois. |
Radu Juster
Craving for sushi, 2010
Art numérique sur toile
24 x 36po
895$
Né en Roumanie, Radu Juster a étudié l’architecture en Roumanie et à Paris, avant de graduer de l’Université de Montréal (1979). Membre de l’Ordre des architectes du Québec, il travaille comme architecte et planificateur des campus pour l’Université McGill.
En parallèle à sa carrière d’architecte, Radu est très actif dans le domaine de la photographie d’art et de voyage. L’érotisme et la sensualité, traités avec finesse et sensibilité, se retrouvent souvent dans son travail. Ses photographies font partie de plusieurs collections privées et animent des sites web.
Radu Juster est également réalisateur de courts métrages de fiction et de matériel audiovisuel éducationnel. Ses films ont été sélectionnés par des festivals en Suisse, Allemagne, France, États-Unis et Canada. Il est le fondateur de Amedem Films (2005).
 Sans titre, 2010 Digital Photography 20″ x 30″ |
 Sans titre, 2010 Digital Photography 20″ x 30″ |
 Red, 2010 Art numérique sur toile 36 x 24po 695$ |
 Floating, 2010 Photographie digitale sur papier Édition limitée de 50 12″ x 12″ 145$ |
 Grey, 2010 Art numérique sur toile 36 x 24po 695$ |
Tommy Kalichack
| The ode to art erotica.
Their are moments of sexual clarity within all of us. The suddenness of a sex-flush, the serge of blood as we become excited by beauty, and we remember what it is to feel true erotic lust. We are those who create in the name of that lust, we are erotica recalled, we are the erotic artists rewarded. Since the first of us stamped our feet into ash and danced around the heat of roaring fires, we have been rewarded. We the inspired, carved into stone the hips of the mother goddess and the shaft of the phallus and we remembered what it was to be excited by beauty. To be heated by lust just as hot as the dancing flames. We are the carvers of that sensual stone, we are the dancing pulse of surging, sex-flush fire and blood. For now we dance by the glow of screens instead of flames, and we still remember in moments of sexual clarity, what we truly are. We are the erotica recalled, we are the erotic artists rewarded. Today we strive to surmount humanity’s flaws with our erogenous art, we dominate the learned errors in our physique with beautiful reflections of sexuality in reverberating sound and searing visuals. We over-load our medial for-brain pleasure circuits and hot-wire our minds to the inner, creative web. And we gasp in our lust, for we know we have created an ultimate good. In that part of us that still needs to dance around the fire. To watch sensuous bodies shake and muscles flex, to follow the curves with our senses and be wet-tend. These are the things that make us sweat. For we are inspired to carve the stone hips of the mother goddess once again, with the shaft of the phallus and fire in our minds, for we are the erotic artists recalled and rewarded. By Tommy K |
 Acknowledgement, 2011 Mixed Media 24″ x 48″ 1800$
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Käo- Patricya Anctil
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Après 5 ans de formation et de recherche artistique, Patricya s’est lancé dans l’art naïf en démarrant l’entreprise ”Signé Papou”, peintre muraliste spécialisée pour les garderies, chambres d’enfants et salles de classe. Cette aventure dura 5 ans. Après un divorce et une période de vie chaotique, naît Käo, spécialisée dans la couleur peau. Le nu est devenu une priorité, ses modèles une obsession. Une nouvelles personne est née au bout de ces pinceaux, chaque courbe fut analysée, chaque pigment de peau scruté… Käo peint des émotions, du désir et de la sensualité… |
Démarche Patricya Anctil, Käo, est artiste peintre depuis plus de 10 ans, toujours dans l’ombre car elle s’occupe beaucoup plus de la carrière des autres que de la sienne. Après quatre ans de formation diverses, avec des professeurs privés, dans la région de Lévis et Bellechasse, elle développe son propre style et travaille en autodidacte depuis. Depuis qu’elle a découvert la sensualité féminine elle peint avec une fougue différente, plus intime et exhibitionniste à la fois. Une nouvelle collection se prépare présentement, avec une nouvelle muse, très inspirante. Maintenant Käo inclus les hommes dans ses toiles, mais la femme reste au premier plan. |
Anouk Lacasse
A fleur d’ eau,2010
Acrylique mixte sur toile
30x22po
1 100 $
Démarche
Active dans le milieu artistique de Québec depuis 1999, j’alterne les expositions solo et collectives dans différents cafés, galeries et salles d’expositions. Pourvue d’une solide formation dans la conception visuelle théâtrale et de l’expérience issue de la pratique du portrait dans le vieux-Québec, j’ai bâtis au fil des années ma technique et nourris ma passion du personnage, de la forme et de la couleur.
La peinture a toujours été présente, et je me suis forgé au fil des années un langage imaginaire intime, que j’exprime en mélangeant sensibilité et sensualité. Mes toiles parlent souvent de la femme et révèlent une quête d’harmonie, qui apparaît dans la matière, la ligne, le geste et la géométrie des corps.
À travers mes œuvres, je contemple le corps humain, l’être qui s’exprime ; par un silence, un mouvement, une envolée poétique… Ces personnages et ces corps parlent la langue des sens, du rêve, de la passion, de la danse…de la vie. Sensibles, ils s’enlacent et s’entremêlent, épousent le décors qui devient la projection de leur vie intime.
Un lien charnel existe entre le corps et les formes organiques de la nature… des formes qui rappellent des parties sensuelles de la femme, de l’homme. Cette expérience sensorielle passe aussi par un myriade de texures et volumes qui ajoutent à la présence de l’œuvre.
 Dance-désire, 2007 Acrylique sur toile 12″ x 24″ 400 $ |
 Étreinte, 2008 Acrylique sur toile 24″ x 48″ 1 600 $ |
 L’offrande, 2004 Acrylique sur toile 18″ x 36″ 800 $ |
Matthieu Lapointe
| Désir et motion
Représente l’amour et l’action du même sujet entre deux personnes. Hommage à Van Dongen, Hommage au Châle espagnol. Représente l’inaccessibilité de ses personnes qui se trouvent trop belles et qui ne veulent pas fréquenté n’importe qui, peut importe leur classe social et leur niveau spirituel.
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Jeune peintre photographe montréalais, je cherche à déformer la réalité par le cubisme, la torsion et la fracturation. Je joue aussi avec les perceptives pour adapter l’univers qui entoure mes personnages. L’huile, le pastel à l’huile, la photographie argentique et le carton sont les médiums de prédilection. Mes inspirations se résument à des artistes t’el que M.C. Escher, Dali, Van Dongen… |
Patrick Larrivée
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En 1988, Patrick Larrivée, issu du domaine de l’architecture, a commencé à s’adonner de façon plus intensive à sa passion. ”Je peins l’acrylique comme d’autres jouent de la musique, avec énergie et passion”. Inspiré par la musique, il présente depuis 2009 ses créations de peinture qui animent les sens. Son énergie devient un élément qui compose son art dans une atmosphère de couleur en interaction. Fixer le tempo, tout en créant du mouvement est son mode de communication. Il additionne l’audace en y mettant des artistes de la relève. ” Ils sont l’essence même de notre culture en nous donnant le meilleur d’eux même. Trop souvent dans l’ombre, à ma façon, j’essaye d’y mettre un peu de lumière… “ Afin d’exploiter tous les sens à travers ses œuvres, il utilise une technique bien à lui, ce qui ajoute d’ailleurs une touche instinctive admirable à ses tableaux. Ses œuvres témoignent ainsi de la spontanéité et de l’énergie au moment de la création. Empreintes de mouvements, elles sont colorées et explosives. Sans doute la musique des artistes représentés qu’il écoute en peignant y est pour quelque chose.
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Démarche En 1988, Patrick Larrivée, issu du domaine de l’architecture, a commencé à s’adonner de façon plus intensive à sa passion. ”Je peins l’acrylique comme d’autres jouent de la musique, avec énergie et passion”. Inspiré par la musique, il présente depuis 2009 ses créations de peinture qui animent les sens. Son énergie devient un élément qui compose son art dans une atmosphère de couleur en interaction. Depuis 2011, il pratique son art à temps plein et enseigne même à des enfants de la région dans le cadre du programme de cours du Festival de peinture à Mascouche. Il avoue d’ailleurs que cet élan nouveau dans son coup de pinceau lui vient des prix qu’il a remporté lors de cet événement, soit un en 2008, 2010 et l’autre en 2011. Afin d’exploiter tous les sens à travers ses œuvres, le peintre utilise une technique bien à lui, ce qui ajoute d’ailleurs une touche instinctive admirable à ses tableaux. “Je fais le fond à la spatule, mon sujet au pinceau et je termine en contrôlant mon giclé de peinture sur la toile à l’aide de la spatule”, explique-t-il. Les œuvres présentées dans ses expositions témoignent ainsi de la spontanéité et de l’énergie dont fait preuve l’artiste lorsqu’il crée. Empreintes de mouvements, elles sont colorées et explosives. Sans doute la musique qu’il écoute en peignant y est-elle pour quelque chose. “Je peins toujours en écoutant de la musique. Bien souvent celle de l’artiste peint”, mentionne-t-il. ? |
Jessica Lauzon
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Nouvellement Bachelière en arts visuels (UQAM), je consacre mon temps à mes deux passions, l’art et la psychologie. Ce qui m’allume est l’étude des effets de l’art sur l’homme et de voir tout le bien-être que ça peut apporter! C’est pour cette raison que je me dirige vers une maitrise en art thérapie. Mon rêve est d’emmener l’art thérapie à l’échelle internationale en le jumelant à un programme tel Artistes sans frontière. L’Art thérapie sans frontière, ça peut sembler utopique pour certain, mais pour moi c’est une évidence pure, car l’art est un langage sans frontière! Bref, ceci sont mes ambitions professionnelles face à l’art, mais il y a aussi l’artiste en moi qui crée, car la création est un besoin et bien-sûr, est thérapeutique pour moi; c’est là que tout mes projet et idéaux ont commencés! |
Démarche L’œuvre, l’artiste et le spectateur sont les 3 composants du monde de l’art, mais quel est leurs rôles, leurs fonctions? Je m’intéresse aux rapports entre eux, ce qu’ils s’apportent mutuellement. Plus particulièrement, j’aborde la fonction thérapeutique qui est autant présente entre le spectateur et l’artiste, l’œuvre et le spectateur, puis l’œuvre et l’artiste. Ce sont ces dualités qui m’inspirent à la base, c’est à partir de cette interrogation et de l’aspect thérapeutique qui en découle que je développe des concepts. Ensuite, le processus artistique ce déclenche : comment représenter ces idées, quel matériaux choisir et pourquoi? À force de réflexion sur le rôle de l’art, autant dans ma pratique, que dans celle de nombreux artistes que j’ai vue et étudiée, j’ai constaté que la fonction thérapeutique est majoritairement présente. Ceci est tout aussi vrai pour le spectateur qui vît l’œuvre. Cette fonction de l’art fait partie de ma problématique et m’emmène à penser l’œuvre comme une expérience sensorielle basée sur la perception et la libération d’affects. Par différents moyens, je tente d’intégrer le spectateur à l’œuvre, en le faisant participer activement ou passivement, que ce soit par la peinture, la sculpture, la photo ou la vidéo. Je tends davantage vers la multidisciplinarité afin de créer une expérience multi sensorielle. En outre, ma motivation à créer est a priori personnel, c’est un besoin. Ce qui prédomine dans ma démarche, est la création d’une expérience intégrant le spectateur et la volonté de véhiculer des émotions et de jouer avec la perception en utilisant différents procédés, matériaux et thématiques. En observant l’ensemble de mes œuvres, le tout peut sembler hétéroclite, étant donné la diversité des matériaux et thématiques. Par contre, on se rend compte qu’il y a une ligne directrice : l’intérêt pour la psychologie, la dualité, la perception et pour le spectateur, qui se retrouve au centre de ma problématique. |
Marie-Andrée Leblond
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LEBLOND, Marie-Andrée Cette jeune artiste passionnée de la nature favorise généralement une technique mixte, ses œuvres son majoritairement des acryliques rehaussés d’encre aquarelle. Contrairement à d’autre artiste qui créent des textures en cours de travail, elle apprête sa toile puis fait pour ainsi dire un bas-relief sur lequel elle applique la couleur. Elle adore les animaux, le mouvement, les corps et surtout l’expression. Le coq, le cheval, les tournesols, le taureau, la danse, les nus et le portrait sont ses sujets principaux. Le cheval qui, tout comme elle, symbolise la fierté, la force, la liberté et une immense sensibilité qui se reflètent dans ses œuvres. LEBLOND, Marie-Andrée This young artist with a passion for nature generally uses a mixed media technique of acrylics and water colour inks. She adores animals, movements, the body and expressions. The subjects of her paintings are roosters, horses, flowers, bulls, dancers, nudes and portraits. Much like the artist the horse is a symbol of strength, pride, freedom and immense sensitivity that shows in all her works
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Démarche Née le 6 juin 1978 à St Jean sur Richelieu Elle a commencé à s’intéresser au dessin dés l’age de 12 ans et a débuté par elle-même son apprentissage de la peinture à l’huile vers 14ans Après son diplôme en art visuel au Cégep du Vieux Montréal, elle a poursuivi ses études en illustration au Collège Salette. Une série d’expositions municipales lui valent quelques prix ce qui l’aidera à attirer l’attention des galeries. Elle fera donc son entré définitive sur le marché d l’art à l’age de 19ans. Marie-Andrée gagne le ” Prix du public ” à l’exposition printemps Art-Visuel de Brossard en 1999 l’a permis d’attirer l’attention de sa première galerie ” Clarence Gagnon ” en octobre de cette même année Consciente de sa chance et avec beaucoup d’ambition elle continue à vouloir apprendre de son métier. Maintenant ses œuvres son majoritairement des acrylique rehausses d’encre aquarelle, une technique qu’elle a adopté pour la richesses des couleurs. Elle adore les animaux, le mouvement, les corps et surtout l’expression. Le coq, le cheval, les tournesols, le taureau, la danse, les nus et le portrait sont ses sujets principaux. Le cheval qui, tout comme elle, symbolise la fierté, la force, la liberté et une immense sensibilité qui se reflètent dans ses œuvres. Born in June 1978 in St Jean sur Richelieu. Upon receiving her diploma in visuals arts from the cégep du Vieux Montréal she continued studying illustration at the Collège Salette. Marie-Andrée won a series of prizes at different municipal exhibitions and started being noticed by art galleries. She made her definite move to the art market at the age of 19. Recognizing her chance and with a lot of ambition she still wants to learn from her work. Nowadays her paintings are mostly acrylics with water-colour ink, a technique which she has adopted for the richness of the colours. She adores movements. The subjects of her paintings are roosters, horses, sunflowers, bulls, dancers, nudes and portraits. Much like the artist the horse is a symbol of strength, pride, freedom and immense sensitivity that shows in all her works
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Paul-Tex Lecor
 Autoportrait avec modele, 2011 Huile sur canevas 36″ x 48″ 17 665 $ Paul Tex Lecor est né le 10 Juin 1935, à St-Michel de Wentworth, au Québec. Homme des grands espaces, descendant sans doute d’anciens coureurs des bois, Tex Lecor est issu d’une famille de peintre douée de générosité et d’un rare sens de la justice. Après avoir complèté ses études secondaires chez les Clercs de Saint-Viateur, il reçoit de 1951 à 1958, une solide formation à l’école es Beaux Arts de Montréal, pratiquant durant 6 ans : dessin, peinture, sculpture, décoration durant 4 ans, plus 2 années consacrées à la publicité et dessin commercial, et fait fructifier en lui l’enseignement des professeurs : Jean Simard, Irène Sénécal, Yves Ley, Jacques Tonancourt et Stanely Cosgrove. La Beauté plastique dans l’œuvre peinte de Tex Lecor se manifeste par une structure solide de la forme. Souple et nette, elle est construite avec une lumière, un besoin d’espace, un climat d’étonnante justesse. Dans ses dessins fougueux aux traits mordants, appuyés ou alertes, l’artiste révèle l’essence même de son art : clarté de la lecture de la ligne, ordonnance, audace et originalité de la composition. For an evergoing traveler like Tex, Canada is a vast land to discover. It’s mainly in his own province, Québec that he paints. Always on the move, he captures in some remote areas the spirit of down to earth people. It’s in the country side, in the forests or on the shore that’s he finds his inspiration. The wide variety of his paintings lets us appreciate a very personal style. Trappers, well seasoned farmers or fishermen are his favorite subjects. What he pictures best are down to earth people. Wether on a subject painting or on scenery, his colourfull approach bears only one inimitable signature: Tex’s. The plastic beauty of his style manifests itself by a strong structure of the form. Smooth and sharp, she’s drawn with a particular light, a need of space and a realistic climate. His paintings are a neat signature of his originality. The role of the long-boats in the sea scenery or of the houses in the landscape scenery catches the eye in a way where lines and angles flow, mingle and complete themselves. The hand of artist never fumbles. It is always guided by an observing eye and really transmits on the canvas the colour and climate of his art. Tex is a figurative painter who puts away reason to obey only… to his heart. Hugues de Jouvancourt
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Démarche Né à St-Michel-de-Wenworth dans la région de Lachute, le 10 juin 1933, Paul Tex Lecor y vivra une enfance pleine d’images où, dans l’atelier de son père, un peintre issu de la Bretagne, il acquerra la passion des arts et l’amour de la mer. A l’âge de 18 ans, encouragé par son professeur, le frère de Paul-Émile Borduas, Tex entreprend des études aux Beaux-Arts de Montréal. Il y restera pendant six ans. Peu après, il s’installe rue Ste-Famille, véritable pépinière d’artistes, puis plus à l’est, rue Cherrier, tout près de chez Léo Ayotte. Entre ces deux artistes à l’esprit bohème naîtra une longue et solide amitié. En 1960, les recettes de l’artiste sont maigres et les ventes occasionnelles de ces tableaux ne lui permettent pas de vivre de son art. Tex, qui gratte la guitare et possède une voix agréable et l’oreille musicale, tâte alors la chanson et le domaine du spectacle. Le succès ne se fait pas attendre. Dès 1970, commencera une lucrative carrière de chanteur, animateur, humoriste avec la populaire émission télévisée Sous mon toit (1970 à 1976), l’enregistrement du Frigidaire (1974), l’émission-piège Les insolences d’un téléphone et l’hebdomadaire radiophonique Le Festival de l’humour. Si l’artiste populaire est présent partout, le peintre n’a pas été mis au rancart pour autant. En fait, dès 1970, maintenant à l’aise financièrement et disposant de plus de temps, Tex déploie une activité débordante en peinture. En 1972, il fait la rencontre de Denis Beauchamp, propriétaire d’une galerie d’art à Laval, qui lui propose de s’occuper de la vente de ses tableaux. Sa première exposition aura lieu quatre ans plus tard à la Galerie des Peintres du Québec, à Montréal. C’est également à cette époque qu’il déménage ses pénates et s’installe à St-Louis-de- Terrebonne, où il vit encore. DE 1970 à 1980, Tex Lecor s’applique à se perfectionner. Il adopte la technique de Marc-Aurèle Fortin, qu’il admire, laquelle consiste à travailler le sujet sur fond noir, bleu ou rouge. Scènes de groupes, en plein air ou à l’intérieur, manifestent alors sa très grande maîtrise de la technique doublée d’un excellent sens de la composition et d’un grand souci du détail. La recherche de la luminosité continue aussi de s’accomplir, lentement mais sûrement. C’est durant cette période que commenceront les voyages de peinture qui l’amèneront en Mauricie, au Saguenay-Lac-St-Jean, à Charlevoix, au Nouveau-Québec et d’où il ramènera en tableaux aussi bien les solides bûcherons, les pêcheurs ou les Inouits que la faune fréquentant les tavernes. Son style, sa façon de voir, de sentir et de s’exprimer se développent, laissant présager du brillant coloriste qu’il deviendra. Le début des années 80 marque pour l’artiste le passage de l’ombre à la lumière. Il maîtrise enfin l’acrylique qu’il tente de mater depuis 15 ans. Sa palette se fait plus réduite mais plus brillante aussi. Sa touche est solide et fière, la ligne conquérante. Le peintre, qui se consacre maintenant à son art de manière constante, se concentre plus que jamais sur la brillance du coloris, la beauté de la matière et le mouvement qui donne toute sa vie au tableau. Choisi en 1987 comme ambassadeur itinérant de la peinture canadienne par Iris-Film, il parcourt ainsi les dix provinces et y rencontre d’autres peintres. Cet épisode sera déterminant dans la carrière de l’artiste. Les tableaux ramenés de ce périple étonnent par la richesse des couleurs, la simplicité du traitement et l’originalité des sujets, comme toujours croqués sur le vif. Sous le ciel des Rocheuses, Tex Lecor découvre une nouvelle façon de voir. Plus que jamais, sa peinture s’illumine. Aujourd’hui, soit plus de 40 ans après sa sortie des Beaux-Arts, Paul Tex Lecor est un artiste complet. Virtuose de la couleur, habile dessinateur et fin observateur, Tex continue de parfaire sa vision des choses et de donner vie à toutes les images qui meublent son imaginaire. Sa palette audacieuse, son style incomparable et inclassable, sa verve et son humour en font l’un des peintre figuratifs les plus connus et reconnus du Canada. Ces œuvres côtoient aujourd’hui celles des plus grands dans des galeries canadiennes , américaines et européennes. |
Gisèle L’Epicier
 L’épicier, 1996 Huile sur toile 71″ x 56″ 1 700 $ |
Démarche Je peins pour m’exprimer en toute liberté, liberté que j’exerce en explorant une variété de sujets. L’huile sur toile constitue la majeure partie de ma production. Le geste spontané s’exprime tant par le figuratif et l’abstrait qui se côtoient dans un même tableau. L’expression d’émotions et de sentiments m’importe plus que la résolution de problèmes d’ordre plastique ou la copie servile de la réalité. La superposition de la matière par balayage et reconstruction me révèle parfois un sujet que j’explore. Le corps humain en mouvement me touche par l’équilibre et l’harmonie des formes qui se meuvent dans l’espace. Dans le silence de la rencontre, j’aime qu’un dialogue s’établisse entre le regardeur et ma peinture. Je tends vers la pleine liberté d’expression qui ne peut s’affirmer qu’en demeurant authentique. |
Gisèle L’Épicier est née à Joliette (Québec). Diplômée en Arts de l’Université du Québec à Montréal, elle poursuit des études complémentaires au Centre des arts Saidye Bronfman à Montréal et à l’Université de Sherbrooke. Depuis plus de trente ans, Gisèle L’Épicier se consacre exclusivement à la peinture. La ville, la musique, la danse, la poésie, les relations homme/femme constituent ses principales sources d’inspiration.
Gisèle L’Épicier est représentée par la Galerie Richelieu (Montréal) et la Galerie d’art Manseau (Joliette).
Ashe Lévesque
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ASHe Levesque is an English Canadian Artist born in Arnprior Ontario, and presently living in Montreal, Quebec. He is a self taught and has been creating art since the early 90’s. His work has a broad range of styles. Acrylic on canvas and wood, or framed Photo-Art framed due to its 3d like quality. His love of the male and female form usually dominates his creative flow.
Soul catcher |
LIPSTIK
Orgasmic-Stadium, 2011
Cadre plexiglass
22.375″ x 34″
120 $
Démarche
Electric Pin Ups & Acid Soda ! LIPSTIK, né en France en 1976 et actuellement basé à Montréal, mène depuis plus de dix ans des recherches graphiques inspirées de la Junk Culture et du Soft Porn. L’icône féminine, sujet central de son travail, évolue à travers un univers semi-fictif flashy et super-sexy, vision parallèle d’un monde pré-apocalyptique où volupté, vice et biens consommables ne font plus qu’un…
Emballages de fast food, vidéos déjantées, panneaux muraux thématiques, néons et objets en plastique détournés… Pinball, roller derby, voodoo…Luxe, décadence & fétichisme…
Issu de la culture street/skateboard et fortement influencé par le Pop art, le Punk, la science-fiction, LIPSTIK nous projette dans une esthétique rétro-futuriste au rendu visuel situé entre Art Nouveau et la peinture à l’aérographe de la fin des années 70.
Figure incontournable de l’underground montréalais, il met en évidence notamment, via un usage abusif du branding, l’attitude neutre, passive et contemplative d’une société en permanence soumise au “matraquage publicitaire”.
Après quatre années consécutives de présence au Festival d’art érotique de Montréal, l’artiste a été retenu deux fois en 2009 et 2011, comme l’un des gagnants du concours international Erotic Signature associé à la tournée / exposition américaine Art Undressed ouvrant au World Erotic Museum of Miami.
 Geisha, 2011 Cadre plexiglass 34″ x 22,375″ 120 $ |
 Shark-Girl, 2011 Cadre plexiglass 22.375″ x 34″ 120 $ |
 Red-Light, 2011 Cadre plexiglass 22.375″ x 22.375″ 120 $ |
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Installation  Fragments 2008 Mixed medium 80″ x 24″ |
Electric Pin Ups & Acid Soda !
LIPSTIK, born in France in 1976 and now living in Montreal (Canada), has conducted graphic research inspired by Junk Culture and 70’s Soft Porn since 2000.
Female icons pose in a semi-ficticious, flashy, super-sexy pre-apocalyptic world where voluptousness, vice and consumable goods are one…
Fast food packaging, high voltage videos, thematic wall pannels, neon signs and fetishized plastic objects… Pinball, Roller Derby, voodoo, Luxury & decadence…
Issued from the Street / Skateboard Culture and highly influenced by Punk, Pop art and Sci-Fi, LIPSTIK projects us into a retro-futuristic aesthetic visually located between Art Nouveau and 80’s airbrush.
An iconographic figure of the Montreal underground scene, the artist mixes an abusive use of branding and adds a tint of cynicism, allowing a neutrally submissive and contemplative view of a society which is permanently being bludgeoned by advertising.
After exhibiting four consecutive years at the Erotic Festival of Montreal, LIPSTIK is for the second time a book’s winner at the International Erotic Signature contest as well as Art Undressed Exhibition Tour 2009 and 2011 opening at the World Erotic Art Museum of Miami.
Lucien Lisabelle
Projet Corporel-VII, 2011
Photo numérique sur canevas
45.5 x 94cm
800 $
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Photographe depuis 1975, ces nus artistiques sont une suite logique à ma démarche artistique. Ils sont traités comme des paysages inspirés de mes vues aériennes. J’ai l’impression de pousser le numérique à ses limites. Chaque photo est traitée différemment et les couleurs sont choisies selon l’inspiration de la prise de vue. Comme le peintre devant sa toile, j’arrive à une étape où je dois arrêter. Le travail de post-production est terminé. La lecture de ces photographies se fait sur deux niveaux; en vue d’ensemble, on voit la composition et les couleurs qui forment la photo, puis de plus près, on est saisi par le détail des artéfacts créés par les pixels. |
Démarche Photographe depuis 1975, ces nus artistiques sont une suite logique à ma démarche artistique. Ils sont traités comme des paysages inspirés de mes vues aériennes. J’ai l’impression de pousser le numérique à ses limites. Chaque photo est traitée différemment et les couleurs sont choisies selon l’inspiration de la prise de vue. Comme le peintre devant sa toile, j’arrive à une étape où je dois arrêter. Le travail de post-production est terminé. L’image produite est imprimée sur du canevas de haute qualité à l’aide d’une imprimante HP Z3200 utilisant des encres de qualité archive. Je limite les impressions à 5 tirages. La lecture de ces photographies se fait sur deux niveaux. Sur une vue d’ensemble on voit la composition et les couleurs qui forment la photo, puis de plus près, on est saisi par le détail des artéfacts créés par les pixels. Les personnes qui travaillent pour moi sont des modèles professionnels qui posent pour des peintres et des sculpteurs. Elles me permettent de réaliser ces photographies presqu’irréelles de style romantique tout en étant très actuelles.
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L’OR, Louise Rouleau
 The man under the armor, 2011 Techniques mixtes sur toile 24″x36″ 985 $ |
 L’OR, Louise Rouleau Make me move, 2011 Techniques mixtes sur toile 24″x30″ 950 $ |
 The Muse, 2010 Techniques mixtes sur toile 24″x40″ 1 400 $ |
Démarche
Chaque clignement de mes yeux s’adresse et se dirige vers l’être humain. Très tôt dans ma vie j’ai compris que ce serait mon sujet d’observation. Fascinée par l’interprétation possible de ses mouvements, de sa grâce et de son ambivalence, l’être que j’observe me ravit, m’interpelle, me désarme à tout moment.
Je cherche à traduire ses formes, ses intentions mystérieuses si souvent bien dissimulées sous de fausses projections lancées par le regard, sa gestuelle … qui me laisse entrer et découvrir l’impensable, l’inexplicable … l’indéfinissable dimension humaine.
Mon seul désir est de me dire … mais encore ? Ce qui me pousse à scruter de nouveau celui ou celle qui se trouve devant moi afin d’en révéler la vrai essence.
Comme une bête sauvage remplie de fougue s’entremêlent mes couleurs. Tantôt chaudes, tantôt froides, lignes fortes et frêles, textures et coups de spatules, figuratif, abstrait, contemporain : tout ces aspects se côtoient créant ainsi la plus belle harmonie.
Autant de variables que d’êtres humains, une magnifique aventure à la conquête de l’être dans toute sa splendeur que je peins à partir de ce qu’il m’offre, que je déverse sur ma toile afin qu’au grand jour on découvre sa personnalité unique.
C’est à travers la simplicité du geste que j’explore la dimension humaine et grâce à une recherche constante de l’expression du corps que mon style est en pleine évolution .
My heart goes on and on, 2011
Techniques mixtes sur toile
24″x48″
1 700 $
Margotella
Ma démarche artistique se caractérise par l’exploration de l’authenticité de mon expression émotionnelle à travers les couleurs et les formes. Il s’agit d’œuvres crées de façon spontanée qui sont le reflet de mon état d’âme au moment de leur création. Le tracé des lignes reflète l’encadrement circonstanciel dans lequel ces émotions se manifestent et s’épanouissent et l’approfondissement de celles-ci. L’utilisation des couleurs est mon vocabulaire… chaque couleur reflète un sentiment particulier… Dans ma technique 3-D j’explore ma féminité, l’huile sur plywood est le reflet de ma sexualité, le Grafftag est un travail d’équipe avec un artiste anonyme aspirant et le Freestyle est le défoulement de toutes mes frustrations….
 Touch me 2011 Popart poster 60 x 95 cm 550 $ |
 Marylin Wired, 2011 Popart poster 60 x 95 cm 550 $ |
 Margotella Touch me, 2011 Popart poster 60 x 95 cm 550 $ |
MAT
L’encyclopédie déplié
Acrylique et collage sur papier
108″ x 720″
Musicien polymorphe ;
peintre du dimanche perdu dans la semaine des quatre Jeudis ;
solitaire heureux ;
lecteur névrotique ;
autodidacte en tout ;
Mat travaille depuis plus d’une quinzaine d’années sur une immense fresque baroque, en constante évolution, ou sont portraituré des centaines, d’artistes, de philosophes, d’écrivains, et de scientifiques…)
Une sorte d’encyclopédie déplié, sa bibliothèque idéal, en constante évolution (elle atteint déjà une vingtaines de mètres de longs).
Archiviste obsessionnelle, iconoclaste iconophile, historien fou, il tente de rivaliser seul, avec Wikipédia,
… manuellement pour ainsi dire…
En ses temps d’inculture généralisé, il soutien que la philosophie peut ” nuire a la bêtise “, que la vérité est dans les livres, que la musique est pouvoir de dire ” oui au monde “, et que, l’art est le ” propre de l’homme ”
ce qui le fait persévérer dans son être, sa tâche la plus noble…
Mat
Julie Mercure
 Noan, 2009 huile sur toile 14 “x 18” 740$ |
Julie Mercure est une artiste autodidacte émergente en voie de professionnalisme en arts visuels qui utilise le médium de la peinture à l’huile pour mettre en vie une collection de tableaux de différents formats.
Ses œuvres sont inspirées de la thémathique des visages et des corps nus. Elle affectionne un style de peinture qui met en valeur l’expression du mouvement. L’explosion de couleurs, l’extravagance et l’émotion qui émerge de ses œuvres sont des éléments qui se retrouvent sur chacune de ses toiles. Son art, à la fois réaliste et figuratif, alliant le style bande dessinée, projette des femmes flamboyantes, créées avec des mélanges de couleurs osés et des reliefs. Elle emploie différentes tonalités de couleurs généralement appliquées à l’aide de pinceaux et de spatules, donnant libre cours à son imagination. Elle utilise aussi du ” modeling paste ” pour créer de la texture. On y découvre une sensualité inspirante et une maîtrise du dessin incontournable. Ses œuvres sont toutes réalisées de façon minutieuse afin de représenter un côté sensuel, audacieux et déterminé.
Sa technique de peinture révèle des chefs-d’œuvre artistiques à découvrir. Celle-ci se démarque grâce à son vif coup de pinceaux, capable de traduire les sentiments les plus forts. Elle tente de faire en sorte que chaque toile ait une histoire particulière que les gens peuvent interpréter à leur manière. L’artiste utilise la peinture à l’huile pour mettre en vie ses tableaux. Les œuvres de Julie Mercure partagent des traits communs; lèvres charnues, airs ténébreux, traits tout en rondeur, chevelure sulfureuse. Pour elle, l’asymétrie sur ses toiles est nécessaire, car la vraie beauté n’a aucun lien avec la perfection. |
| Julie Mercure est une jeune femme audacieuse, déterminée et persévérante qui adore s’impliquer dans différents projets. Cette passionnée des arts, de la publicité et du design ne s’arrête jamais! Étudiante dans un Baccalauréat en Communication Marketing à l’UQAM et détentrice d’un Diplôme d’Études Collégiales Technique en Gestion de commerces du Collège Ahuntsic, elle sait saisir chacune des opportunités lui permettant de s’épanouïr et d’atteindre ses rêves. D’ailleurs, son parcours est assez impressionnant vu son jeune âge. Au fil des ans, cette talentueuse jeune femme a su démontrer à tous et à toutes sa force d’action tant au niveau individuel qu’en équipe. Son envergure montre à chacun de nous que « quand on veut, on peut ». Julie Mercure est persuadée que c’est de cette façon qu’il faut s’y prendre pour faire sa marque. Oser est son mot d’ordre, se relever est son défi. |
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Payam Montazami
 Appease the Gods of Nippopolis, 2011 Acrylique sur papier russe 2 500$ |
 Breast In Plants, 2010 Acrylique sur papier russe 16″ x 20″ 400$ |
Tony Moriello
Vous regardez le tableau à une distance de 1,5 mètre – 4 pieds..
Biographie
Depuis plus d’une décennie maintenant, Tony Moriello produit des images ” à impact élevé “, des stratégies de marque et des concepts graphiques pour de nombreux clients influents. Son travail et ses créations originales en tant que designer lui ont valu plusieurs prix prestigieux. Il nous présente aujourd’hui ses créations les plus récentes, axées sur la synergie de la couleur. Inspirées de la photographie, du cinéma et de la pornographie, ces compositions abstraites mettent en lumière la chimie des couleurs. Elles portent sur des problématiques relatives à la culture actuelle, à l’identité publique et privée, à l’expurgation et à l’exhibitionnisme.
Biography
For over a decade now Tony Moriello has been producing high impact imagery, brand development, and conceptual graphic design for a wide group of influential clients. His work as a designer has earned him several prestigious awards for his original creations. Today he introduces his latest artwork through color synergy. Inspired by photography, cinematography and pornography, his creations highlight the chemistry of colors with abstract design. Every piece explores the issues relative to today’s culture, public and private identity, expurgation as well as exhibitionism.
Ce qui se voit dans le cellulaire ou la caméra !!!
Cream Huile et résine sur toile 48″ x 48″ 1 400$ |
 Lucette Huile et résine sur toile 48″ x 48″ 1 400$ |
 Papillon Huile et résine sur toile 48″ x 48″ 1 400$ |
 Chiquita Huile et résine sur toile 48″ x 48″ 1 400$ |
 BBC Radio, 2010 Huile et résine sur toile 48″ x 48″ 1 400$ |
Démarche
Ayant pratiquement abandonné mon pinceau et les pigments traditionnels, je me retrouve, ébloui, dans un monde de pixels. Résultat d’une épiphanie et aboutissement d’une chose tellement négative, l’image ” pixélisée ” devient un étonnant objet de fascination. La synergie et la composition de la couleur créent une résonance qui stimule les cinq sens. Simplement évoquée par la couleur, la véritable image demeure un fantasme. Le magnétisme de la couleur attire le spectateur sans qu’il discerne l’image explicite que j’ai dissimulée derrière chaque impression dans ses dimensions physiques. La plupart de mes images sont inspirées de la pornographie et soulignent, par la composition abstraite, la chimie des couleurs. Ces images de couleur pixélisées sont d’abord appréciables par leur composition, mais il suffit d’un peu d’inspiration, d’imagination et de créativité pour découvrir la perversion sexuelle cachée. Quelle est votre couleur sexuelle ?
Artist statement
Having all but abandoned my paintbrush and all its traditional pigments, I find myself dazzled in a pixel world. The result of an epiphany, and the outcome of something so negative, a “pixilated” image becomes a stunning fascination. Color synergy and color composition create a vibrancy to stimulate all five senses. Simply attracted to color, the actual image remains a fantasy. The magnetism of the colors draws in the observer without he or she recognizing my hidden explicit image behind each print in its physical size. Most of my images are inspired by pornography by highlighting the chemistry of colors with abstract design. These color pixel images are appreciated for their color composition, and with a little inspiration, imagination, and creativity, one can discover the hidden sexual perversion. What is your sex color?
Newton Reece
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Begging will get you no where |
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RJ Newton is an erotic and fetish photographer, based out of Atlanta, GA – USA. Originally from England, he immigrated to the United States as a young boy with his family back in 1983. Growing up in Northwest Florida, he enjoyed art class in school, but had no idea that one day he would pursue his artistic goals in the realm of photography.
RJ Newton has been photographing erotic and fetish since first capturing bondage expert Mistress Midori in a live performance at the now defunct Chamber Club of Atlanta in 2003. He strives to capture the beauty of fetish, and the dynamic between top/bottom, dominant and submissive. He prefers to create dream-like images that are far away from reality. He loves to use colour boldly wherever he can. He hopes to continue to grow and evolve as a photographer learning and practicing new techniques when he has opportunity to do so. RJ Newton’s work has been seen at numerous Atlanta based shows, the Dirty Show in Detroit, The Art of Kink exhibit at Fetishcon in Tampa, Florida, and he is also the curator of the Ikaros Art Collective. Conceived in 2008, the goal of the Ikaros Art Collective is to promote the best of the erotic & fetish photography genres by giving artists a venue to show their work to the masses. Pan-sexual in nature, this exhibit and online sales gallery strives to show and include the many facets of beauty in human sensuality. The goal is to make people think, and RJ Newton strives to push the boundaries of what erotic & fetish photography is evolving into. RJ Newton has also shown his work and was the curator for the fetish photography exhibit at Club 1763 in Atlanta for its annual Atlanta Bound event for 2008 and 2009. He has also exhibited at and enjoyed the role of co-curator at two previous Atlanta fetish photography exhibits – “Behind Closed Doors” in 2007, and “Controlled Seduction” in 2006. |
Ouram St.Sophie
 Chevalière du printemps Bronze 590 $
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Poème de l’artiste Si j’étais une femme, Au coeur de ce temple, j’animerais Si j’étais une femme, Si j’étais une femme, Si j’étais une femme, *note de l’auteur : formulation intentionnelle
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Laurence Petitclerc
LAUR délicates, 2009
Tempura sur Calque
10″ x 8″
65$
Ccana Fidel Ponce
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 Ccana Fidel Ponce Al lado de Marie-B II Techniques mixtes 92 x 76 cm 2 500$ |
 emps de relfection Techniques mixtes 100 x 81 cm 3 000 $ |
Pendant mon enfance j’ai grandi entre la culture andine à travers l’éducation offerte par mes parents, et la culture occidentale, qui arrivait par les moyens de communication et le système éducatif. Depuis, j’ ai le désire de montrer ce métissage, propre et typique de mon pays, à travers mon travail. Dans mes travaux, de moyen et grand format, la figure humaine est prédominante comme élément principal pour exprimer des situations existentielles : un corps vide entouré de symboles précolombien géométriques et linéaires, comme structures architectoniques solides et spatiales. Dans les petits formats aussi le travail s’inspire à la nature morte classiques. Tous ces éléments se mélangent avec des couleurs qu’on retrouve dans la vie quotidienne de nos jours : les lumières de néon, les discothèques, l’Internet, la télévision et tous les moyens modernes qui sont exécutés avec subtilité et matière abondante, a fin de chercher un langage dans lequel je puisse traduire un rencontre plastique entre l’ancien et le moderne, entre la tradition millénaire et la modernité de nos jours.
 Las Coupables Huile sur acrylique 72x65cm 2500 |
 Regard les nuages ma belle Techniques mixtes 116 x 89 cm 4 500$ |
Thierry Quenette
J’ai exploré le mystère de l’érotisme, afin d’en saisir le fondement essentiel de la relation entre femme; étape par étape, du sein et son galbe au sexe et ses différentes formes. Le choc des peaux malgré leur douceur de lait et la fermeté de l’étreinte entre 2 amantes. Je recherchais avant tout l’équilibre dans les courbes. Allier féminité et force. La série représente cette réalité fantasmée dans le parfait et l’imparfait. La romance qui n’est plus usage courant, la sur- saturation de la bi-sexualité baisse la garde pour laisser place à la tendresse et l’amour véritable de mes muses … mises à nue
 Muses a nues Photo sur papier 26″ x 16″ 450$ |
 Série Muse a nue2 Photo sur papier 20 “x 16” 450$ |
 Série Muse a nue3 Photo sur papier 20 “x 16” 450$ |
 Série Muse a nue4 Photo sur papier 20 “x 16” 450$ |
Vanessa Roberge
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Démarche Vanessa est animée par la complexité de l’humain en général. Elle est à la fois fascinée par la nudité corporelle et spirituelle de l’homme ainsi que par les forces qui le poussent à survivre chaque jour. Ses toiles laissent transparaître l’énergie psychique et émotionnelle des personnages qu’elle emprisonne à l’intérieur de leur propre cadre. Par ailleurs, les cloisons qu’elle érige entre les couleurs utilisées traduisent sa conception de l’indépendance de chaque cellule du corps humain. Par le biais de cette technique spécifique, elle réussit à créer des êtres complexes et uniques dans chacune de ses œuvres, qui apparaissent d’emblée comme une unité dans le monde infini de l’art. Or, chacune des toiles abrite des personnages qui dévoilent leur nature exclusive, et l’énergie dégagée par ceux-ci crée à tout coup un univers vibrant qui plonge inéluctablement le spectateur dans un état d’esprit profond, intense et perturbé . Enfin, non seulement les voies de création artistique qu’emprunte Vanessa illustrent-elles la franchise et la lucidité avec lesquelles elle aborde ses erreurs et ses craintes, mais elles dévoilent également qui elle est réellement. |
 Bellucia, 2010 Acrylique sur toile 48″ x 22″ 900 $
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 Raphaelle, 2011 Acrylique & Resine sur toile 48″ x 24″ 900 $ |
Julie Robinson
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Démarche LA FIÈVRE AU CORPS Sculpteure depuis plusieurs années, le corps dans tous ses mouvements et vibrant d’émotions m’a toujours été une grande source d’inspiration. Quoi donc de plus normal que ce corps m’ait à nouveau servi de muse au cours de cette dernière année d’exploration de l’univers de la peinture. Caressant la toile de mon pinceau, j’ai découvert un moyen d’expression charnel et sensuel, se pliant à ma volonté d’une manière directe et graphique à souhait. Pour cette quête d’un renouveau radical, j’ai choisi d’ignorer mes sentiers battus, de transgresser les barrières du convenu et du convenable et de mettre en scène le corps dans ses expressions les plus charnelles et provocantes. Abandonnant complexes, pudeur et timidité, j’ai jeté sur la toile, la vision d’une vie toute nue, d’une sexualité sensuelle désinhibée et de corps abandonnés au plaisir, exhalant soupirs et effluves fluides. La technique photographique, toute d’ombres et de lumières, couplée à la passion de l’éclatant cramoisi, illustre dramatiquement le rôle déterminant de chacun des pores de cette peau fiévreuse. |
 Elles 3, 2010 Acrylique sur toile 37″x30″ 670 $ |
 Le beau, 2010 Acrylique sur toile 47″x35″ 1000 $ |
 Suplice, 2011 Acrylique sur toile 37″ x 30″ 700 $ |
NADine Samuel
| NADine Samuel Artiste visuelle pluridisciplinaire, la peinture et la musique sont au coeur de ma démarche artistique. Native de Québec et présentement établie à Montréal, je consacre le plus clair de mon temps à ma production d’acryliques et de techniques mixtes sur canevas et matières recyclées. Parallèlement, j’élabore, conçois et prends part à différents évènements culturels multimédias. Entre autre au sein du collectif multimédia 33TOURS en collaboration avec l’agence TOPO et de mon ”band” QUI DORT NADINE, la performance et la peinture sont mes médiums de prédilection pour exprimer et transmettre mes émotions.
La peinture en direct que je pratique fréquemment accentue l’importance de mon rapport aux lieux, à l’espace où l’action est posée, aux actions-réactions que le contact avec les gens engendre. Une centration s’installe, circonstancielle, et, c’est ce condensé d’énergie brute que je transpose sur mes toiles. Mon travail s’articule aussi sur l’axe des sons, des paroles émanant du contexte, de la musicalité ambiante ou orchestrée. Je m’approprie les rythmes et les traduis en ondes, en vibrations visuelles et sensorielles. Je crois dur comme fer que l’art sous toutes ses formes embaume et fait diversion au morne qui guette chaque instant. J’endosse viscéralement différentes causes sociales et participe à différents encans-bénéfices et prestations dont les fonds amassés contribuent à résoudre différents problèmes sociaux majeurs à la source. |
 Entre la tole et la mer, 2010 Acrylique sur toile 30″ x 36″ 800$ |
Jocelyne Sylvain
 Anna,2010 Acrylique sur toile 95 x145cm 2000$ |
Démarche Sans vraiment y penser, je recherche une texture me rappelant la gravure. La voir, la sentir sur un relief d’acrylique avec un soucie constant entre l’équilibre de sa consistance et l’ajout de matériaux tiers. Depuis quelque temps, c’est le coton à fromage. C’est comme ça. La graveure en moi ne taille ni n’enlève. Elle ajoute. Elle se fait peintre. J’éprouve ce soulagement vivifiant de croire que je bonifie le moment présent du regard que porte un individu. Je constate que je voyage entre l’adoucissement des surfaces d’une texture éthérée, inspirée du figuratif expressionniste allemand, et des couleurs volontairement éclairées dans une facture urbaine aux formes sensuelles déstabilisantes. De grandes toiles, de préférence, pour le gestuel ample dans un tracé exempt de crispations (ou si peu) exprimant, je l’espère, la sobriété et la simplicité possible des choses ici bas. Puis, il y a cette porte ou cette fenêtre suggérant une évasion toute proche. Et de ces sensations, la profondeur émotive des couleurs primaires conjointes des secondaires dans l’agrément des chaudes et l’espace des froides. En capter l’essence immédiate, offrir un prétexte à cette saisie de l’instant, de ce moment si humain. |
Née le 25 janvier 1965 à Montréal, Jocelyne Sylvain réside actuellement à Saint-Ambroise-de-Kildare; petit village de la région de Lanaudière à une cinquantaine de kilomètres au nord de Montréal.
Sa formation universitaire de bachelière en création en Arts-Plastiques
(1989) est suivie d’un baccalauréat en éducation en Arts-Plastiques
(1995) de l’Université du Québec à Montréal.
En 1989, à La Galerie Dara-Dara sur le boul. Saint-Laurent à Montréal, vient le Conte Barbare qui présente une conception et une création d’un livre lithographique traitant des artistes graveurs du Québec. Il sera imprimé en trente (30) exemplaires et acheté, entre autre, par la Bibliothèque Nationale du Québec.
Les Fêtes du 350ième Anniversaire de Montréal en 1992 au Parc Lafontaine sera l’occasion de peindre et de vendre sur place.
Directrice et trésorière de l’Association des Artistes en Arts Visuels du Québec, elle participe à la sélection d’artistes en arts visuelles pour différentes expositions. L’ouverture d’une galerie d’arts à Montréal sur la rue Prince-Arthur en 1997 et son initiative de convaincre des commerçants de l’Avenue Mont-Royal à exposer les créations des artistes de l’Association furent les moments forts de cette année ponctuée d’expositions collectives et multidisciplinaires.
Jocelyne Sylvain quitte sa ville et s’offre la fraîcheur des montagnes. Obligations professionnelles et familiales ralentissent la création jusqu’en 1999 qui la ramène à une nouvelle relation avec ses pinceaux. Sa participation à deux sessions d’ateliers-expositions (2007-2008) de modèles vivant au Musée d’Arts de Joliette conclut une transition.
Pierrette Thérieault
Démarche
D’origine acadienne mais établie à Québec depuis sa tendre enfance, Pierrette Thériault est une artiste pluridisciplinaire dont les œuvres sont empreintes d’humour. Les couleurs vives, les grands éclats de rire, les nombreux personnages bigarrés et les subtilités saugrenues sont ce qui la définit et accrochent un sourire à ceux qui les regardent.
Malgré une vision très imparfaite, elle est émerveillée par le monde des arts. Elle développe un style personnel qui ne ment pas. Au fil du temps, elle maîtrise ses techniques, se fait connaître dans son milieu et expose ses tableaux.
Diagnostiquée à l’adolescence, elle poursuit une carrière artistique et s’attaque à la photographie et au théâtre mais c’est vraiment dans le dessin humoristique qu’elle se sent pleinement dans son élément.
Parallèlement, la rétinite pigmentaire, une maladie dégénérative incurable qui mène à la cécité fait sournoisement son œuvre et l’arrache à son univers.
Ses outils ce sont les yeux et les mains de ses amis car désormais elle ne voit plus qu’avec les yeux de l’esprit et du cœur
| Pierrette Thériault expose ses tableaux dans plusieurs villes telles que Toronto, Montréal, San Francisco, Québec. Réaliste, elle se sent pressée par le temps et la maladie, c’est pourquoi elle produit ses œuvres à un rythme effréné et réalise plus d’une cinquantaine d’expositions. Grand Théâtre de Québec Salle Albert Rousseau Théâtre Beaumont St-Michel Acton Vale Verdun Brossard, etc… Elle participe également à des émissions de télévision et de radio sur les différents réseaux canadiens. Elle fait aussi l’objet d’articles de journaux de magazines tels que ” Dernière Heure “, ” Le Soleil “, ” Toronto Star “, etc. Elle travaille maintenant à la réalisation d’un livre illustrant sa fructueuse et inhabituelle carrière. |
 Les ablutions de sa Majeste, 2006 Techniques mixtes 20″ x 16″ 450$ |
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Tone
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Démarche
D’une grande sensibilité plastique, je situe mon métier d’artiste-peintre à l’intersection de plusieurs disciplines artistiques. Et je ne peux concevoir mon évolution personnelle et ma pratique professionnelle sans toutes ces différentes interactions artisiques. _________________________ URBAIN PAR ESSENCE, le travail de Tone puise son inspiration de la ville. Tone réalise ces créations sur toiles et panneaux de bois principalement. Il use de techniques mixtes dans ses compositions qui combinent LA TYPOGRAPHIE, L’ARCHITECTURE, LE GRAPHISME et LA CALLIGRAPHIE. SES CRÉATIONS renvoient aux aspects de l’univers GRAFITTI, de la CULTURE POP et de l’utilisation d’images issues de différents médias. FRAGMENTS DE TEXTES, images issues de magasines, POCHOIRS, éléments récupérés dans la rue, encre, feutre, crayons, éléments divers et PEINTURE remplissent la surface, transcrivant des PENSÉES URBAINES que l’on peut regarder avec curiosité et plaisir. Les compositions plastiques de Tone sont d’autant plus complexes et diverses que les environnements qui les inspirent. L’ARTISTE utilise des LIGNES DIRECTRICES qui structurent la pleine surface de création, reflétant ainsi ses formations d’architecture et de design graphique. TONE N’A PAS UNE MÉTHODE DE CRÉATION RÉPÉTITIVE et systématique. Son processus de création varie d’une composition à une autre selon le RESSENTI DE L’ARTISTE. Tone a eu la chance d’EXPOSER SES CRÉATIONS dans plusieurs galeries d’art et lieux évènementiels en France, AU CANADA et aux États-Unis.
Bubble-Girl, 2011 |
Julie Turconi
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Démarche Quel que soit le médium, je cherche avant tout à capter l’essence de mon sujet, que je traduis ensuite dans des œuvres brutes, épurées et vibrantes, qui sont l’expression même du Qi, ce souffle de vie présent dans toute chose. Mes œuvres se veulent des instantanés organiques qui, tels des haïkus visuels, nous ramènent à la brièveté de l’existence et à sa beauté intrinsèque et lumineuse. Des œuvres qui invitent à RESSENTIR. ______________________
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Jacqueline Vanasse
Invija
Huile sur toile
36″ x 48″
2100$
Vid Vicious
Sunlight bondage1
Photo sur papier
16″ x 24″
350 $
Director, Producer, Videographer, Photographer, Graphic artist Vid Vicious is easily recognizable due to his unique emotional creations; his pieces are spectacular, exciting one’s fantasies. His talents were evident at a young age. Coming from a strong ethnic culture, his artistic talents were not prided on by family members. In high school, a very special teacher guided Vid to a multi-media educational art programs allowing him to flourish. Vid’s success throughout his college years gained him recognition from various departments of government and organizations. Pressures to find a promising career path amounted; Vid redirected his talents to Broadcasting and Communications. His work can not be easily summarized as it spans decades of continued success. Recently, Vid Vicious has re-emerged as a recognized artist. In the last few years, Vid’s creative energies are fuelled by the intriguing fetish dimensions.
Vid Vicious; An artist creating emotions that emit sexual energies.
Sunlight boundage2
Photo sur papier
8″ x 10″
250 $
 CBT2, 2010 Photo sur papier 30″ x 20″ 800 $ |
 CBT,2010 Photo sur papier 30″ x 20″ 800 $ |
 Série: Les libertés, no.03 Photo sur papier 7″ x 5″ 500$ |
 Dead doll, 2010 Acrylique et crayon feutre sur toile 16″ x 24″ 350$ |
 Rape slut2, 2009 Photo sur papier 8″ x 10″ 500$ |
 Rape slut 3, 2009 Photo sur papier 8″ x 10″ 500 $ |
 Rape slut 4, 2009 Photo sur papier 8″ x 10″ 500 $ |
Willy
Nouvelle-France
Huile sur toile
125 x 101cm
10000 $
Willy utilise le support érotique, qui lui est familier depuis son adolescence, et exprime un sentiment nouveau depuis son immigration au Canada, celui de la différence de regard porté sur l’érotisme, éroné par la pudeur selon les mœurs affirmés dans différentes cultures.
L’incantation de Barbie
Huile sur toile
122 x 155cm
12000 $
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MERCI DE VOTRE VISITE – À L’ANNÉE PROCHAINE